Il cantautore romano presenta un allestimento unico: “La mia sfida è portare la vita nel vuoto dei palazzetti”. Le prime due date a Roma: 25 e 26 ottobre.

Quello di Daniele Silvestri non è un tour nei palazzetti come gli altri. Non solo perché per lui è il primo in venticinque anni di carriera, ma per la scelta di creare una narrazione di immagini e suoni evocativa, frutto di lavoro, idee e storia vissuta. Un tour che ha l’ambizione di mettere in luce i tanti aspetti magici della musica, dando un’anima a strutture spesso anonime. Silvestri, dalla teoria alla pratica, crea un suo particolare universo di cui tutti, spera l’artista, possano sentirsi parte.

“Non ci sarà il palco, o forse tutto quello che il pubblico vedrà potrebbe esserlo – sorride il cantautore romano – è un progetto folle che parte dalle idee del mio ultimo disco “La terra sotto i piedi”. E infatti la terra non mancherà: la porteremo a sacchi prendendola da alcune serre delle città in cui suoneremo. Ci esibiremo sopra questa montagna in un allestimento simile a un ottovolante. Per il disco precedente, “Acrobati”, i teatri erano gli spazi più idonei per tanti motivi. Per questo album, invece, per i temi e le sonorità, avevo subito capito che avrei dovuto fare per la prima volta un tour nei palazzetti. Ma a mio modo”. Non senza quindi mettere in campo concetti e visioni. “I palasport sono complicati, dispersivi e ostici acusticamente – continua Silvestri – ma mi affascinano proprio perché sono contenitori vuoti in cui si può far nascere qualche cosa di unico. È un piccolo miracolo. Io, con i miei musicisti, sarò molto esposto: il palco è protettivo per certi aspetti, nasconde. Invece in questo caso non sarà possibile. Cercheremo di portare vita e calore in strutture fredde”.

Con lui, ospite fisso, ci sarà Rancore. “È un rapper straordinario che sarebbe esploso anche senza il Festival di Sanremo che abbiamo affrontato insieme – sottolinea Silvestri – in Italia c’è tanto rap e fortunatamente anche di qualità. Lui, come altri artisti, si meritano il successo che stanno ottenendo e anche di partecipare a rassegne importanti come il Premio Tenco. Rancore ha un uso spettacolare della parola. Con “Argento vivo” siamo riusciti a toglierci una delle più grandi soddisfazioni che un artista possa ottenere: non sono tanto i premi o i numeri che si porta dietro, quanto il dibattito che ha scaturito questa canzone. Abbiamo scoperchiato un vaso di pandora, affrontando temi come la scuola, gli adolescenti, il disturbo dell’attenzione. Finalmente se ne è discusso”.

Il senso di questo tour così studiato e ricco di suggestioni è nella sua stessa creazione. “Il lavoro che c’è dietro è il vero significato di tutto – ammette Silvestri – tempo fa sono andato con i miei figli a vedere un concerto trap e mi sono divertito molto. Ma era frutto di un lavoro microscopico rispetto a quello messo in campo per il nostro tour. Con questo non sto puntando su un’esaltazione di quello che faccio, ma tengo solo a sottolineare l’impegno di decine di professionisti che si mettono in gioco e lavorano più di quello che dovrebbero per dare vita a qualche cosa di irripetibile. Quel mondo sotterraneo di dedizione, fatica e studio è ciò che rende speciale queste date”. E forse non è un caso che arrivi proprio nel venticinquesimo anno di carriera. “In realtà non ci credo molto – conclude il cantautore – la reputo più una coincidenza. Con questo non vuol dire che i venticinque anni di carriera non avranno spazio nel tour, anzi: ci sarà mezz’ora di medley giocoso in cui racchiuderemmo le canzoni dal 1994 al 2019, suonate con musicisti che mi accompagnano da sempre. Non è tanto una celebrazione quanto una narrazione in cui poter ritrovare ricordi, idee e suoni che fanno parte di me. Sarà un modo per riscoprire e riscoprirmi”.

Come funziona il Festival della Canzone Italiana dal punto di vista di coloro che devono occuparsi di quella strana macchina che si chiama “orchestra”?

Non posso dichiararmi un veterano, né tanto meno un fervente accolito della chiesa del Santo Remo.
Io ci sono stato nel 2009 che l’orchestra aveva lo stesso organico: flauto, oboe, due clarinetti (anche sassofoni), due trombe, due tromboni, archi, percussioni e il resto della ciurma rock con tre chitarristi, sei coristi, un bassista, un batterista e tre tastieristi. Mi pare che abbiano aggiunto solamente i corni francesi e per quanto avessi un vago ricordo ci fosse anche l’arpa, ciò non è vero: l’arpa a Sanremo c’era solo fino a vent’anni fa. L’assetto dell’organico, se si va a vedere le prime esibizioni televisive negli anni sessanta, era prevalentemente classico con elementi da jazz orchestra. L’orchestra negli anni ’80, con il playback, era addirittura scomparsa. In seguito, dagli anni novanta, sarebbe tornata tanto prepotente e battagliera da conformare uno standard sound “sanremese”, con un gusto e una retorica che arriva fino ad oggi.
Un fatto nuovo è che l’orchestra negli ultimi cinque o sei anni a Sanremo si ascolta meglio.
Uno degli adagi, per coloro che si cimentavano con il palco dei fiori era che l’orchestra non si sentiva mai bene in televisione.

Ma di preciso, cosa succede quando sei assunto nella baRAIcca?

I tempi di consegna delle parti d’orchestra del brano in genere sono subito dopo Natale. Il che significa che un pezzo inedito per Sanremo è stato vagliato dalla commissione tra ottobre e novembre e finito di missare a dicembre. DI sicuro la RAI non è ancora paperless: le parti vanno spedite in pacco espresso alla sede legale del Festival della Canzone Italiana nella versione cartacea, con una doppia copia d’archivio. Nei primi quindici giorni di gennaio viene fatta una lettura rapida senza il direttore e pochi giorni dopo una lettura meno rapida.

Quest’anno la disposizione in prova è a terrazzamenti, con la parte sinfonica in un piano ammezzato e la schiera estesa di musicisti pop della parte elettrica nel piano basso. Verso la ventina del mese di gennaio tutte le maestranze si trasferiscono al Teatro Ariston. Finché non è allestito il palco, non è dato sapere come sarà disposta l’orchestra. Ci sono casi in cui gli strumenti vengono smembrati e messi a mo’ di scenografia in giro per il teatro. E questa cosa, per chi dirige, è un problema gigantesco. Altro dettaglio che sfugge al telespettatore (ma che crea enorme disagio a tutti quanti) sono le dimensioni reali del Teatro Ariston. Generalmente a soffrirne di più sono gli strumenti che avrebbero bisogno di uno spazio vitale ampio: i tromboni, ad esempio, avrebbero necessità di libertà di azione per la coulisse e così i contrabbassi e i violoncelli per l’utilizzo dell’arco. A quanto pare, però, vivono da sempre una battaglia contro la claustrofobia.